公共藝術設計

2022年01月17日 陳校長 閱讀(49)

2021十件值得關注的公共藝術作品

這一年與近代史上任何一年都不同,隨著世界重新開始探索開放,藝術家們準備重返工作崗位。

雖然社會問題和疫情等主題依舊刺激了很多令人感動的藝術作品,但許多藝術家也超越了這些主題,探索新的領域。

失落和希望是今年的公共藝術作品的一個強烈主題,比如MotoiYamamoto創作的作品就受到了他的個人失去經歷的影響。

其他的裝置,比如為共存項目而環游世界的實物大小的大象雕塑,關注的是全球的損失。

再從藝術家RefikAnadol對人工智能的運用,到DanielPopper的自然靈感雕塑,每個裝置都有一些重要的東西想要表達。

不管傳達的信息和理念是什么,這些藝術裝置的共同之處在于它們都有創造影響的能力,每一件都以其獨特的方式向觀眾傳遞信息,以不可否認的方式激起觀者內心的情感。

那么,讓我們來仔細看看這10個藝術裝置吧,看看為何它們是2021年最值得關注的。

01

包裹凱旋門

Christo&Jeanne-Claude

將巴黎標志性的凱旋門包裹在他們的標志性織物中是Christo&Jeanne-Claude這對藝術二人組的夢想。由于疫情導致的時間耽擱,他們的這件最初計劃于2020年完成的作品在他們都走了之后才得以實現。

雖然推遲了,它也變成了對克里斯托的追悼會,以及向這兩位藝術家致敬的一場全球關注的藝術盛會。他們肯定也都在天堂微笑著俯視這個裝置。

該裝置由紅色繩索捆綁織物將凱旋門全部包裹起來,是歷時五年多準備工作的巔峰之作。

在15天的時間里,公眾可以欣賞這座在陽光下閃著銀光的建筑,并且近距離接觸藝術品,就像Christo和eanne-Claude最初設想的那樣。

這對總在自費創造大型“臨時藝術”的夫婦認為,創造消失的事物比創造將要留下的事物需要更大的勇氣。如今他們也在這個世界上消失了,但似乎留給我們的東西更多了。

02

在美國。怎么會這樣…

SuzanneBrennanFirstenberg

藝術家以何種方式對亡靈致以敬意|那些不再冷冰冰的紀念碑

這是一件總共有67萬多面白旗散布的大型裝置作品,用以紀念美國在COVID-19大流行中逝去的生命。

這個裝置對的意義也不僅僅局限在是一件藝術品,后來,它轉變成了人們悼念失去的東西并表達敬意的地方。

通過這樣的方式,藝術家為人們在這個關鍵的歷史時期之后的情感,提供了一個重要的出口。

對藝術家來說,為這一事業付出的時間和精力是非常值得的,她向所有失去生命的人表示哀悼和敬意,并提醒我們這些逝者不僅僅是一個統計數字。

“很多人的死亡都是在孤立的情況下發生的,這讓我很不安。我只是覺得應該有人做點什么來表明,在這么多人死去的時候,我們也應該珍惜每一條生命?!?/p>

03

SEEINJUSTICE

ChrisCarnabuci與ConfrontArt

雕塑家ChrisCarnabuci將他對2020年社會現象的藝術回應轉化為大型雕塑——通過與ConfrontArt合作,創作了GeorgeFloyd(引發大規??棺h的黑人GeorgeFloyd窒息死亡事件)、BreonnaTaylor(被警察闖進門qiāng殺的急救醫療救護人員)和JohnLewis(美國國會議員和民權活動家)的大型半身雕塑。

每尊雕像重約0.45噸,由200片切割得很薄的非洲桃花心木薄片制成,表面涂上一層閃閃發光的青銅漆,安裝在紐約市聯合廣場。

通過與GeorgeFloyd的兄弟Terrance合作,這個集體團體希望將“紀念碑與運動”結合起來。

藝術家表示,其主題是“看到不公正,我們每個人都看到了不公正?!?/p>

他們的計劃是繼續在美國展出這些雕塑,然后拍賣它們,收益將捐給與這三人有關的慈善機構。

04

我希望

ChiharuShiota

她們用線構筑時間、空間、生死和虛無,每一個觀者都為之震撼

在疫情期間經歷了長期與世隔絕之后,日本藝術家鹽田千春(ChiharuShiota)想要向他人灌輸希望。

為此,她收集了一萬封來自世界各地的信件,并用紅線把它們串在一起,探索人們對未來的希望。

這些懸掛的線被安置在柏林一個變成展覽空間的教堂里——人們通常會在教堂里為他們的未來祈禱,鹽田千春認為這個地方有很多希望。

“在2019冠狀病毒病大流行期間,人們很難想到希望,但對未來的想象力對人類非常重要。如果沒有靈感,就沒有未來。

我給人們紅紙,讓他們寫下他們對未來的希望,然后我可以把這種希望填滿畫廊……

我的主題是存在于缺席中。這句話的意思是,沒有人在那里,但我感覺有人在場。所以,當有人死去時,我能感覺到他們的存在。我想通過我的裝置創造這種感覺……我正在把記憶編織成現實?!?/p>

雖然該裝置在整個過程中不能對公眾開放,鹽田千春邀請音樂家和舞者與該作品進行互動表演,然后進行現場直播。

這么看,無法開放展覽這一限制反而更顯示了藝術家們的韌性,他們在一個不受人群和媒介限制的新時代,并且在不斷開拓自己的作品。

05

鹽櫻花

MotoiYamamoto

日本藝術家本井山本(MotoiYamamoto)在瀨戶內市美術館(SetouchiCityMuseumofArt)的個展中,創作了對記憶、回憶和走向未來的密切反思。

10萬多朵掉落的櫻花花瓣用鹽精心制作而成。

鹽是山本常用的材料。這個選擇既具有美學意義(本井山本很欣賞它的白色),也具有象征意義。

在日本,鹽自古以來就與清潔有關;

在世界各地的許多其他文化中,這種水晶礦物被用于與生與死有關的儀式;

它也是維持生命的必要條件,是每個人都曾品嘗過的人類飲食的重要組成部分。

對于山本來說,這意味著任何人都可以通過與物質聯系在一起的個人記憶與他的作品形成聯系,并從中塑造自己的意義或詮釋。

與此相似,櫻花也象征著生命的短暫。

這是一個安靜的、反思的裝置,山本創造了一個思考生活及其意義的空間。作品的脆弱性與它的意義有關——生命是短暫的,可以在瞬間改變。

“這件作品是抵御遺忘的自衛本能的手段,就像一種習慣,根深蒂固地保留著隨著時間的推移而丟失的記憶。我對過去的事情,如回憶和念想,開始感興趣了。然而,當我的妻子四年前因病去世時,我和女兒單獨生活開始了,我對她的未來——換句話說,還會發生什么——有了更多的意識,我對待工作的方式開始發生轉變?!?/p>

06

人類+自然

DanielPopper

在精神懶散的世界里,冷漠才是真正的敵人|DanielPopper的巨型魔幻雕塑

當藝術家的“人類+自然”展覽在莫頓植物園安裝了他的五個紀念雕塑時,完全改變了1700英畝的環境。

他的作品以自然為靈感,幫助參觀者在植物園的本身使命概念中扎根,與樹木建立聯系。通過使用自然的主題,他的超大型人物編織了一個關于自然和人類是如何相互關聯的故事。

比如《UMI》,一個溫柔地撫摸肚子的母性形象。

UMI這個名字來源于阿拉伯語,意思是“母親”或“我的母親”。這個6米多高的雕像由纏繞在一起的樹枝做成,看起來像是在沉思她即將成為母親的親密時刻。

“每件雕塑背后都有一個故事,但我喜歡對每件作品提出一些開放性的問題,這樣人們就可以來提出自己的想法。我希望人們來到這里,能夠就他們與自然的關系提出問題?!?/p>

07

重新連接

TikTok&TeamLab

國際藝術團體TeamLab以令人難以置信的沉浸式體驗而聞名,他們的作品能夠因人的存在而改變,那么作品與人之間的界限就會產生模糊,人就會成為作品的一部分。

這一次他們與TikTok合作創建了一個裝置,進一步推動了事情的發展。TikTokteamLabReconnect將藝術觀賞體驗提升到了一個新水平,將桑拿儀式融入其中。

在東京展出的這一裝置充分利用了日本的桑拿文化。參觀者將通過桑拿和冷水浴區進入“桑拿催眠”,然后在五個沉浸式環境中休息,然后他們被鼓勵重復這個循環過程。

“這不是普通的藝術展,也不是標準的桑拿。這是一種新的做法,觀者在觀賞藝術之前進入桑拿浴室,改變和增強其心理狀態,挑戰藝術體驗背后的傳統觀念?!?/p>

通過重復桑拿、冷水浴和休息的循環,游客進入一種獨特的“桑拿恍惚”狀態,在這種狀態中,感官敏銳,思維清晰,周圍世界的美麗成為焦點,通常被忽視的東西可以被體驗到。

TeamLab利用這種最好的精神狀態,通過不斷擴大的身體感覺,讓游客沉浸在‘超自然’藝術中,讓他們重新連接到世界和時間的連續性。

08

量子記憶

RefikAnadol

讓建筑做個美夢|神神叨叨的“下一個達·芬奇”RefikAnadol

數字藝術家RefikAnadol使用尖端技術創造了很多令人難以置信的裝置。

2021年初,他利用人工智能為NGV三年展創作了一件作品——超過2億張自然圖像被用于組合成“量子記憶”。

藝術家表示,人不記得500萬張花卉的美麗照片,但人工智能可以,通過這種方式,“人工智能讓我用思考的畫筆作畫?!?/p>

“目前在我的實踐中,人工智能被用作凍結的現實,凍結的意識。它不像人類基于過去和未來的記憶重建現實的能力——這是一種非常線性的體驗,有時令人討厭。

但總的來說,人工智能在一定程度上已經超出了我認知能力的限制。讓機器通過使用特定地點或概念的X幅圖像來重構特定情況的現實,這在我們的實踐中仍然是一個非常強大的敘事,因為對我來說,它不會在那里結束?!?/p>

09

生長

DaanRoosegaarde

荷蘭藝術家DaanRoosegaarde以他的裝置作品幫助我們想象一個更美好的世界而聞名。

在這件作品中,他利用紅色和藍色LED燈將一片2萬平方米的韭菜田變成了一件藝術品,一個不可思議的夢境般的存在。

這些燈光不僅給這片土地帶來未來感,而且還能促進植物生長——藝術家引入了“光配方”,利用不同的光頻率來激活植物的新陳代謝,提高它們對害蟲的抵抗力。

“《生長》創造了人與自然之間新的和諧,藝術與科學的結合改善了我們周圍的世界?!?/p>

對藝術家來說,光線是一種特殊的魅力來源。

“光是我的語言,光是交流,而不是裝飾,它可以激活,植物對它非常敏感?!?/p>

藝術家還計劃環游世界,實地考察,以提高人們對自然的認識和與自然的聯系。他的另一個作品計劃是——“城市太陽”(UrbanSun)。該項目將于2021年啟動,在大流行期間,它將利用光的知識凈化空間,以實現人與人之間的聯系。

這項工作是一項更大的藝術計劃的一部分,旨在提高人們對利用與自然的連接的意識。

10

共存

ElephantFamily&

TheRealElephantCollective

這兩年人們津津樂道的,就是當人們宅在家防疫的時候,動物們開始逛起大街。

如何真正的共同生存,已然成為疫情之下的必要省思。

于是今年夏天,非營利組織“ElephantFamily”和“TheRealElephantCollective”聚集在一起,讓超過100只真實尺寸的大象雕塑進駐倫敦各個角落。

它們化身為了生存而遷徙的9個象群,走進格林公園、圣詹姆斯公園、伯克利公園,甚至親王公爵夫人的家中,主辦方期望透過這些富有想像力的公共藝術,邀請大家一起思考如何與動物及更大的生態系統一起共同生活。

這些象群,是以來自印度南部尼爾吉里山的真實野生大象為模型,由泰米爾納德邦叢林深處的土著社區所創造。

大象雕塑的設計來自于TheRealElephantCollective聯合創始人及設計師ShubhraNayar,她與ElephantFamily合作,計劃運用入侵自然環境的雜草來制作真實尺寸大象,好為野生大象籌募資金。

這兩個組織還計劃在未來幾年內,讓大約500只動物雕塑走入世界各個城市。所有募集到的資金都會返還給印度的草根項目,這些項目致力于讓人類和野生動物更和平地共存。

希望我們能重新找回人類與自然的聯系,透過共享生存空間來慶祝所有的生命形式。

一周藝術人物|馬斯設計的全球首座公共藝術倉庫亮相了

錢雪兒陸林漢黃松

澎湃新聞獲悉,11月6日,世界上第一座對公眾開放的公共藝術倉庫在荷蘭鹿特丹亮相,倉庫的設計者是建筑設計師威尼·馬斯。藝術倉庫地處鹿特丹的博物館公園,倉庫存放了館藏的15萬件藝術品,全部對公眾開放。

記者出身的越南人阮純詩完成了媒體藝術家的轉型之路,作為越南實驗電影人和影像藝術家,她著重從藝術的角度重新探索歷史,她將參加2022年的第15屆卡塞爾文獻展。在上海,藝術家肖谷個展“東莊新語”及王鴻定、何曦的展覽先后開幕;在北京,藝術家彭勇、歐陽蘇龍、列思和王玉平都展出了各自的作品。

《澎湃新聞·藝術評論》“一周藝術人物”,報道并評析國內外的藝術話題人物及熱點事件。

荷蘭|建筑設計師威尼·馬斯

世上首座公眾藝術倉庫對外開放

威尼·馬斯

11月6日,MVRDV創始人合伙人,建筑設計師威尼·馬斯(WinyMaas)所設計的博伊曼斯·范·伯寧恩博物館公共藝術倉庫(DepotBoijmansVanBeuningen)正式對外開放。

博伊曼斯·范·伯寧恩博物館公共藝術倉庫

這是世界上第一座對公眾開放的公共藝術倉庫。業主博伊曼斯·范·伯寧恩博物館希望能夠打造一座引人注目的、友好的建筑。該藝術倉庫位于鹿特丹的博物館公園,為博物館的游客提供了一種全新的體驗;巨大的倉庫內將存放館藏的15萬件藝術品,并全部對公眾開放。充足的儲藏空間容納了博物館的杰出藝術和設計品收藏,還包括若干展覽廳、一間餐廳和已經獲獎的屋頂花園。公共藝術倉庫高39.5米,呈碗狀,占地面積較小。向下收縮的形體可確保地面層穿過博物館公園的視野和通行流暢無阻,也能夠有效地減少對地下水緩沖區的影響。同時,反射使得建筑本身能夠完全“消融”在周圍的環境中,在激活周邊區域的同時,也和相鄰的建筑建立了緊密的關系。

威尼·馬斯是MVRDV建筑與城市規劃事務所的聯合創始人之一。1993年,他與JacobvanRijs和NathaliedeVries一起在荷蘭鹿特丹創立MVRDV。2008年在荷蘭代爾夫特理工大學創立了研究未來城市的機構“為什么工廠”并擔任教授和主管。2013年,MVRDV在Depot公共藝術倉庫的設計競賽中勝出;2017年開始施工,2021年正式竣工:經歷了近十年的設計與建造后,如今這一項目已畫上了完美的句號。

威尼·馬斯表示,“這座倉庫為人們帶來了很多歡樂:滑板愛好者們能夠在室外的開闊區域自由玩耍,路人們非常熱衷于來這里拍照。作為建筑師,我相信人們很快就能享受到Depot的室內空間、屋頂森林、以及在沒有策展人導覽的情況下與藝術親密接觸的體驗?!保ㄎ?陸林漢)

越南|影像藝術家阮純詩

獲得三間機構聯合委任項目,作品關注東南亞歷史與生態

阮純詩

日前,越南實驗電影人、紀錄片導演和影像藝術家阮純詩被選為首屆哈恩·內夫肯斯基金會、森美術館、M+和新加坡美術館的聯合影像委任項目的得主。阮純詩將獲得10萬美元的獎金以及18個月的時間來創作影像作品,并在三間博物館中展出。

該獎項由位于巴塞羅那的哈恩·內夫肯斯基金會設立和資助,該基金會的創始人、出生于荷蘭的慈善家哈恩·內夫肯斯專注于電影和影像作品的推廣?;饡c這些機構之間的合作旨在加強各博物館之間的關系,共同發展一個可持續的項目。獎項意在推進當代影像制作,幫助尚未獲得過大型機構支持的亞洲籍或居住在亞洲的藝術家。評委會成員在一份聲明中寫道,“阮純詩因其動人的影像作品而獲選,這些作品編織了關于越南的未被訴說的故事,并將其置于東南亞更廣泛的歷史、文化和政治現實中?!?/p>

阮純詩作品

現居河內的阮純詩將拾得影像、不同來源的圖像以及她自己制作的音頻和影像記錄整合在一起,創作出關于記憶、再現、景觀、本土性和生態等主題的作品。她將參加明年在德國卡塞爾舉行的第15屆文獻展。

阮純詩1973年出生于河內,成為藝術家之前在越南做過記者,后來到美國修讀新聞、國際關系及攝影等,隨后慢慢踏入媒體藝術家之路。2007年,阮純詩從美國返回越南的河內,她發現可以從藝術的角度重新探索歷史?!拔矣信d趣的歷史不是教科書或學校學習的歷史,而是歷史與我們的關系,我們跟過去與現在的關系?!彼苍噲D去探尋更久遠的歷史,2015年拍下《LettersfromPanduranga》,嘗試跟越南古國占婆(Champa)的遺民對話。阮純詩說:“我有興趣的不是真相,也不相信有絕對的真相,真相往往取決于你從哪種角度看,你對話的對象是誰?!保ㄕ?錢雪兒)

上海|藝術家肖谷

沉浸空間讀“東莊新語”

藝術家肖谷的個展“東莊新語”近日在上海靜安雕塑公園藝術中心(北京西路500號)舉辦。

肖谷1958年生于上海,畢業于上海大學美術學院雕塑系,曾任上海油畫雕塑院院長。從2005年開始,肖谷以“傳統文化當代性轉換”為題進行創作與研究。

明代沈周《東莊圖》原有二十四幅,明萬歷年間遺失了三幅。本次展覽首次公開肖谷為遺失的沈周版《東莊二十四景》中的三幅作品重新創作的新作。分別以完成狀態、半色彩半素描狀態、全素描手稿的形式展出。

作為研究項目的《東莊圖》不僅僅限于繪畫本身,而更多是涉及畫面以外的歷史淵源、文化傳統以及對文化建設性的意義探究。

肖谷《朱櫻徑》油畫160X190CM2005-2015

展覽現場

除了作品本身,展覽地點靜安雕塑公園藝術中心的展廳中庭還設有“鏡園”裝置。這一裝置利用玻璃的折射、反光讓展廳變得通透,自帶“濾鏡”效果,形成水中鏡月、疏影婆娑的景觀,為觀眾提供了獨特的觀展體驗。在步入展廳的那一瞬間,觀眾就能被江南園林意象包裹,進而沉浸其中,感受江南吳地文人包容的氣度以及特有的藝術趣旨。

展覽將持續至2022年1月9日。(整理/畹町)

上海|藝術家王鴻定與何曦

摯友之誼,畫印相和

11月6日,“‘印相’王鴻定·何曦書畫篆刻作品展”在之禾空間開幕,展覽帶來篆刻家王鴻定與畫家何曦的作品,二位藝術家亦是心心相印的好友。這次聯展以王鴻定的篆刻為主角、何曦的小幅作品作為穿插的線索。

王鴻定師從錢君匋,與展覽“印相”主題相呼應,王鴻定為此次展覽精制“宜子孫大吉祥富貴昌”大印,四圍共計有270多個佛像,呈示合掌印、禪定印、施無畏印等佛手姿。印面在漢印中加入秦磚漢瓦的味道。另有“廿四節氣”與“古人十雅”等主題印,內容有讀書、品茗、焚香、蒔花、候月、聽雨等,是他自己日常生活方式與處事態度的寫照。

王鴻定篆刻作品

與之呼應展出的是何曦近期的小尺幅作品,何曦是上海中國畫院畫師、國家一級美術師。題材有魚鳥、梅竹、松柏、巨浪、隕石等。展覽中還有以王鴻定大小印花為主體、點綴小插畫的作品。

何曦《聽松》

除了靜態的作品,展廳內還有何曦為王鴻定拍攝的篆刻小視頻。黑白的畫面伴隨著刻刀劃過印石的聲音,安靜有力。展覽持續至12月6日。(文/黃松)

北京|彭勇、歐陽蘇龍、列思

以繪畫、雕塑和裝置重釋光的藝術

11月7日,在今日美術館舉辦的“一束光臨”展覽中,中法兩國藝術家彭勇、歐陽蘇龍、列思分別以繪畫、雕塑、裝置重釋光的藝術,展覽共展出作品31件/組,展期至11月21日。

列思作品

以“光”為主題,三位藝術家用繪畫、雕塑和裝置等不同藝術載體重新構建了一個關于光的空間敘事,主辦方介紹,“列思用他難以置信而充滿詩意的機器喚起了科學裝置不可抗拒的吸引力;彭勇則通過多彩的網版,使我們的目光折服于顏色的魅力;而歐陽蘇龍以其磷光閃爍的結構,帶觀眾走進了雕塑的全息幻境?!?/p>

策展人蘇丹認為,藝術的光應當是反常的映照和呈現,它總是降臨在被強調的人或物的形體上。傳統造型著重于本體處理,但現當代藝術卻把光照也納入了藝術的范疇。分層、分解、合成,疏漏、遮掩、控制,都是藝術創作過程中處理光的方式。列思的作品,就是以光作為工具的炫技,他將隱沒在透鏡中的形式用光勾勒在我們眼前。

歐陽蘇龍《影大衛》

此次展出的歐陽蘇龍的《消失的物》《碎影系列》等,藝術家用光影講述雕塑對空間的影響,用空間縫隙講述人與人、物與物、人與物之間的關系,用空間的正負虛實關系講述對物質存在的理解。

彭勇《一念三千》

大都市的機理和人類建造的立面,是彭勇的版畫作品中最普遍的形象。一個個窗洞形成了畫面中的韻律,也是其主要的構成元素。觀看時,我們的視線會沿著光明的方向沖向這些廢墟,然后從這些工業化的方孔中侵入,并繼續著陽光衍射的方向搜尋記憶。彭勇的光譜繪畫近乎祈禱和冥想,從重復一個克制而圓潤、循環往復并自然的動作,而涌現某些顏色(紅和綠,藍和橙,黃和紫,純和灰),這些顏色傳達了他的心境與光,也顯現出平和慰藉的效果。(文/高丹)

北京|藝術家王玉平

“我在馬路邊”畫北京的雪

正在畫角樓的王玉平

11月6日,藝術家王玉平的最新個展“我在馬路邊”在當代唐人藝術中心北京第一空間開展。

展覽由阿城擔任策展人,展出了王玉平近年關于北京寫生的若干件重要作品,包括創作時間跨越4年的30余米長的《我在馬路邊》、近6米的長幅《雨雪景山》,以及一件王玉平16歲時畫的《景山公園》等。從角樓到面館,從晴天到雪景,從烏鴉到野貓,北京城的生動趣味、迷人的色彩,都在王玉平的筆下徐徐展開。

11月6日,北京也正好落下來初雪,讓這些關于北京的繪畫更顯得生動并具有了某種情感意蘊。王玉平很享受在街邊寫生,他談道:“我走進這個喧鬧的城市,沉溺在畫面里,反而覺著異常的寧靜,所有聲音都成為背景,眼前像是默片,都在動,卻不出聲……我拎著畫具,在城里瞎轉悠,像初學畫畫的孩子,不必有思想,也沒有負擔,哪兒都能畫,怎么畫都行,畫好畫壞無所謂。只是用這個方式溫習著過去,打發著現在,又曬了太陽?!?/p>

王玉平《西華門的雪》

“一隊人影,一閃而過的竊竊私語的表情,一個路牌一個標志,幾點走進光里的身影,都是我料想不及的。我覺得自己就像一個透明的人,事世從我的身前身后穿過,這個世界、霧霾和陽光并不打擾我,也不提防的為我展開一切?!蓖跤衿秸f。

王玉平1962年生于北京,1989年畢業于北京中央美術學院油畫系,至今任教于中央美術學院造型學院油畫系。(文/高丹)

責任編輯:陸斯嘉

校對:欒夢

圓桌|公共藝術的當下與未來:如何真正讓公眾參與其中

澎湃新聞記者陸林漢整理

公共藝術的公共性是什么?什么是好的公共藝術?未來的公共藝術是什么樣子?

近期,一場圍繞“公共藝術的未來”的論壇在上海復星藝術中心舉行。來自高校的知名學者及知名策展人、藝術家對這一話題進行了討論。有專家認為,公共藝術是分享、是教育,需要的是吸引公眾參與其中,解讀。同時,隨著藝術環境的改善,未來的公共藝術需求也增加。

2021年上海復星藝術中心開啟了公共藝術年計劃,將藝術中心天臺轉變為展示藝術、定期邀請藝術家進行創作,試圖吸引更多公眾走進和了解公共藝術,進階探索公共藝術對于城市精神的塑造和意義。

11月12日,復星藝術中心在成立五周年之際舉辦了“公共藝術的未來”論壇。該論壇圍繞“什么是公共與公共性?”、“公共藝術的未來”等主題展開。復旦大學、中國美術學院、南京大學等各大院校的學者、藝術家與策展人針對公共藝術的在地性、公共性和參與性,藝術與城市設計和鄉村建設、對如何吸收和接納公眾對作品的解讀與對藝術的理解,以及公共藝術未來等問題展開探討。

什么是公共與公共性?

在“公共與公共性”論壇中,華東師范大學政治學習教授吳冠軍圍繞“重思公共性”,從公共和私人對照入手,以洛克和康德的思想并結合現代的癥狀做了分析?!霸诤畏N意義上,公共成為公共?”他表示,“公共過程中,能夠公共打開。在這個意義上,今天所有的場域,美術館、藝術中心當然是公共藝術的場域。如何以藝術的方式呈現你自身?這才是公共和私人很有意思的分別?!?/p>

南京大學哲學系教授藍江教授從公共和封閉的對照入手。在他看來,公共藝術不僅要給人看,而是要有人主動參與藝術。在他看來,公共藝術“不一定是純粹在所謂的城市中由資本創造的公共空間創造的藝術,現在云端也是公共空間。要談公共性,就必須了解今天的普羅大眾在想什么,關鍵是有沒有可能讓更多人參與進來,更多人了解到這件藝術。這不是強制性的,而是可以真正吸引他們進來關注?!?/p>

卡普爾《云門》,把整個城市都倒映在了云門里面,使觀者思考自己跟城市的關系

復旦大學哲學學院副教授祁濤從當代“公共性”危機的角度出發,在他看來,很多“公共性”的話題背后有資本運作和社會再分配的場所,這也是我們所需警惕的?!敖裉煸谏虾S泻芏嗝佬g館,信息和宣傳的效果不在官方媒體上,而是在小紅書等等APP上。因為在那些APP上能看到很多網紅可以打卡。例如,浦東美術館某一時段會有穿著打扮漂亮的女孩排隊拍照?;?60塊錢買票不是為了別的,而是為了拍美美的照片。這個現象反映了資本運作和社會再分配,不僅定義這個空間,而且使得人們進不到這個空間的時候是被定義的?!?/p>

祁濤表示,“我認為哲學和藝術共同解放的力量要聚合,重構公共性的組織方式,不是被定義著進入到某個公共空間中來。我們來談公共藝術未來的時候,它指向了公共藝術的自我解放,這種解放同時表明著公共藝術參與者的自我解放過程?!?/p>

藝術家埃利亞松此前在紐約哈德遜河上制造的一個巨大的瀑布,吸引了無數人來打卡

獨立批評家、策展人王南溟從“沒人看的展覽的公共性在哪里?”這一問題出發展開討論?!罢褂[沒人看意味著什么?可能是不行,可能是前沿。沒人看、沒人理睬的公共藝術在哪里?孤獨者的公共性價值到底在哪里?”對此,在他看來,現在的“人數壓迫癥”對美術館的發展是不利的,“網紅展意味著年輕藝術家在美術館里幾乎沒有機會的,沒人參觀,不能成為媒體的追蹤熱點。公共性跟人數之間的關系是不是要重新進行一次深入的討論?”

論壇現場

藝術與城市、鄉村建設

當天的第二場討論圍繞著“藝術與城市設計”主題展開。上海市社科院文學所研究院包亞明通過案例分析和理論的闡釋,呈現了現代城市空間中復雜的博弈過程。他表示,“公共文化或者公共性問題是建立在社會的微觀層面上,是由我們感受到的城市里很多的公共生活空間所組成的街道、街道商店、公園里面的日常交往產生的。它形成了不斷變化的公共文化。在占有城市空間的同時,反過來也被城市空間所占有,影響城市空間的時候,實際上各種力量的效力和決定權重有很大的差別,但是公共空間本質上還是向全體開放。它是一個民主的空間,到底誰能夠占有公共空間,并且占有城市,這是值得思考的?!?/p>

“公共空間與城市更新的文化價值是有形的也是無形的,既需要形象生動的表達,也需要受眾的領悟。文化價值的延續和傳承涉及到城鎮形態、空間品質、生活方式,也涉及到公共政策和城鎮治理?!爱斘覀冇懻摴部臻g與城市更新文化價值的時候,其實我們是被困在兩種社會期望之中:一種是要成為傳統城市主義精髓的保護者,另一種是創造性地應對現狀,譜寫城市的未來。我們始終是在這樣兩種期望當中‘受困’,我們要不停地做出回應和回答?!?/p>

復星藝術中心四樓數字空中花園宮島達男作品

朱利安·奧培,《艾米莉亞1,朱利安,雅思敏》,上海靜安國際雕塑展,2020。攝影師:AlessandroWang

在論壇上,靜安國際雕塑展策展機構負責人毛文采講述了自2010年以來的靜安國際雕塑展的理念及策劃思路?!暗袼芄珗@這塊地本身是有爭議的,當時拆了不少老房子,這塊地是上海很有名的“東八塊”,一直有爭議,后來把它做成公共的空間,也就沒什么爭議了。我們在2007年接觸項目,第一次做的時候是2010年。這期間花了三年的時間學習探索。問題是,我們在2010年展覽的時候定了一個比例,‘7比3’,即當年要70%國際作品,30%國內作品。我們沒有做到,我們只做到了90%國際作品,10%國內作品。去年,我們的雕塑展差不多達到了’7比3’的比例。這12年里,中國的公共藝術在發展,可是速度很緩慢?!?/p>

毛文采認為,從靜安國際雕塑展中的中國公共藝術作品比例上升較慢可以看出中國藝術家的觀念問題。藝術家是非常個性的,在自己的工作室里可以隨意發揮。但是當藝術家的作品離開了藝術家的空間,那么藝術家要考慮的問題還有很多,而這一過程也還有很漫長的道路要走?!肮菜囆g的魅力在哪里,就是在地性以及跟觀眾發生關系,觀眾才會關心。如果沒有這些概念在里面的話,是很難跟觀眾產生共鳴的。公共藝術的有趣性就在這里,很多事情是你無法預先設想,但是它有教育的作用。十年做這一展覽的過程給我們最大的鼓勵就是公共藝術比任何一個藝術都有魅力,因為它是分享、是教育,更是和民眾發生關系的,這才是有趣的魅力?!?/p>

崇明前哨村中的公共藝術作品

四川美術學院副教授周彥華則從藝術學家克萊爾·畢曉普寫的《人造地獄》一書出發,梳理了百年間西方藝術創作中的參與現象。他表示,“今天我們在研究參與式藝術,不僅僅探討藝術和社會這樣一個大關系,而是將社會本身分層,它有很多層次,比如社會的生態、社會的性別、社會的身份、社會的技術等,這也是今天西方比較前沿的對參與式藝術的研究?!?/p>

公共藝術的未來

在當天的最后一場論壇中,與會嘉賓圍繞“公共藝術的未來”這一主題展開。策展人、獨立學者馬欽忠回顧了公共藝術在中國二十多年的發展歷程,也談及了公共藝術的學科建設,以此提出了當下公共藝術所存在的問題。

對此,復星藝術中心主席王津元表示,“公共藝術不是政府行為,還是屬于藝術的范疇,屬于跟公眾結合度最廣最藝術的門類,所以我們還是有信心地討論它的未來,因為我們需要藝術,我們有那么多藝術愛好者,藝術環境在不斷改善,未來對公共藝術的需求不是減少,而是在增加?!?/p>

復星藝術中心公共藝術年計劃,趙半狄《熊貓花園|云上的日子》

復旦大學哲學學院教授郁喆雋從“話語空間”這一視角切入。他表示,“‘話語空間’不完全由藝術家或者策展人、專業人單方發起的活動,而是有一種所謂的公共藝術的開放性,即便是非專業人士沒有這方面的訓練,也可以參與。公共藝術作品有點像藝術鑒賞的疫苗,每個人體內都有這樣的鑒賞或者消化的能力。當他們看到這個異物放到自己的城市的熟悉的地方時,再普通的人也會想這個問題,為什么放到這里?然后慢慢由外在的異物變成他身體的一部分,甚至他們會主動賦予它一些再發揮、再創制的空間,給它穿衣服,戴個帽子,把鋼鐵那部分東西變成生活接納的一部分。我理想心目當中真正能創造話語空間的公共藝術,它不是由單方面發起的,或者它能夠建構起來的異構空間也不是由單方面完全支撐起來的,我把它叫做’無心的共謀’,期盼有更多的人加入到公共藝術對它的闡發也好,解讀也好,哪怕是濫用也好,我覺得我總體感覺我們附庸風雅遠遠還不夠,還需要更多的附庸風雅。

安東尼·葛姆雷的公共藝術作品《臨界物質》

責任編輯:顧維華

校對:張艷

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